Dem Programm nach könnte der Abend auch in einem beliebigen Style-Club in München, Berlin oder Hamburg stattfinden. Deswegen dürfte das Jugendzentrum in Peißenberg am Samstag, 26. Februar, ziemlich rappelvoll sein mit Indie-Kids, wenn die britischste aller bayerischen Bands, “Pardon Ms. Arden”, und vorher die Label-Kollegen von “Flowerstreet Records”, “Electric Kezy Mezy”, aufspielen. Zu hören gibt’s die komplette Bandbreite von Indie-Pop über Brit-Rock bis hin zu Sixties-Beat. Beginn ist um 20 Uhr.

www.konzerte.juze-peissenberg.de

Es ist zwei Jahre her, dass eine 20-jährige Londonerin fröhlich-naiv die Popwelt von hinten aufrollte. Das Debüt „Made Of Bricks“ schlug wahrscheinlich genau wegen seiner Unbefangenheit derartig mächtig ein und verwandelte Kate Nashs Leben grundlegend. Klar, dass diese wunderbare Unbefangenheit auf dem Nachfolger kaum noch durchkommt. Was geblieben ist, ist ihr Talent für eingängigen Pop, ihr Mut zu ungewöhnlich scharfkantigen und unbequemen Songs und ihr Übermaß an Energie, mit dem sie derwisch-artig durch eine von Ex-Suede-Gitarrist Bernard Butler meisterlich gestaltete Soundwelt tanzt. Dabei singt sie von Tee und Kuchen, vom Händchenhalten, von Mädchen, die schlaue Jungs an der Nase herumführen und stellt klar, dass sie mit diesem intelligent auf Wirkung gebürsteten Album ihren Weg als alternative Pop-Queen fortzusetzen gedenkt.

Universal / www.katenash.co.uk

Holland mag ja für so einiges berühmt sein, aber, von Jazz mal abgesehen, sicher nicht für Musik. Und hört man doch mal was klingen vom Ijsselmeer her, dann klingt das nicht käsig, sondern ziemlich britisch. Von den schrecklichen “Within Temptation” sei an dieser Stelle mal ganz ausdrücklich abgesehen. Schon in den Neunzigern bahnte sich diese Beobachtung ihren Weg durch die Schlagzeilen; zum Beispiel als der Holland-Vierer “Super Sub” ein paar veritable Britpop-Klassiker rausgehauen hat.

Moke, Amsterdamer Britpop-Haudegen, sind nun der nächste größere Export der Niederlanden in die internationale Popwelt. Und sie verfügen über einen prominenten Fürsprecher, wenn nicht gar Paten: Paul Weller. Der große Modfather fand nicht nur Gefallen am Style der Musiker, der ihnen von Karl Lagerfeld verordnet wurde, sondern auch am Sound. Und er hat Recht, der gute Meister Weller: Moke sind zeitgemäß, stylish, eingängig und verfügen über einen charakteristischen Klang fernab von Styropor-Pop und Mainstream. Oder wie er es kurz und knapp ausdrückt: “F***ing smashing tunes.”

Island/Universal / www.mokemusik.de

Der Vorgänger “22 Dreams” schoss unmittelbar nach seiner Veröffentlichung auf Platz eins der britischen Album-Charts und bescherte seinem Schöpfer Paul Weller so ziemlich jeden wichtigen Musikpreis seines Heimatlandes. Auf seinem neunten Soloalbum, auf dem er weit mehr als eine Handvoll seiner Patenkinder – von Gem Archer über Graham Coxon bis hin zu Noel Gallagher – versammelte, bewegte sich der Modfather auf verhältnismäßig ruhigem Terrain. Die renommierte “Zeit” nannte ihn in der Folge “Hooligan von Welt” und “Lordsiegelbewahrer des britischen Pop”. Mal sehen, was sich die schreibende Zunft einfallen lässt, wenn dieses, Wellers zehntes Soloalbum, auf ihren Plattentellern liegt.

Im Vergleich zu den melodiegewaltigen, vertonten Tagträumereien des Vorgängers kommt dieser Longplayer ungleich ungehobelter daher. Spinnt man den Albumtitel weiter, dürften die 16 Songs ziemlich sicher reichen, um nicht nur eine Nation, sondern gar Tote aufzuwecken. Weller fällt in Form von Stakkato-Klavier, Orgel, souligem Backgroundchor und jeder Menge angerissener Gitarren mit der Tür ins Haus und macht auf “Moonshine” klar, dass er mit seinen 52 Jahren noch lange nicht daran denkt, die Rockaxt an die Wand zu nageln.

Im Gegenteil: Selten hat der Chef-Mod seiner Vorliebe für unumwunden nach vorn gehenden Rock so unverhohlen Ausdruck verliehen wie auf dieser Scheibe. Das äußert sich schon in den ersten Minuten erkennbar in der verhältnismäßig raubeinigen Produktion. Von der Transparenz der Vorgängeralben keine Spur: Hier wurden Spuren geschichtet, auf Masse gesetzt und, zur Hölle nochmal, aufgedreht. Ehe man sich’s versieht, ist “Moonshine” vorbeigeballert, um den Weg freizumachen für den Titelsong, der nicht viel leichtfüßiger daherkommt: “Wake Up The Nation” würde gut in einen verrauchten Pub passen, in dem sich der Interpret bisweilen schon mal den Weg zur Bühne mit seiner Gitarre freiprügeln muss. Gleichwohl – und hier liegt Wellers erklärte Stärke – wird bei aller Wucht der Fokus auf “Melodie” und “Eingängigkeit” gelegt.

Dieses Konzept zieht sich durch das komplette Album. Weller bedient sich lustvoll an allen Möglichen Stilrichtungen – vom Country über Jazz bis hin zum Bluesrock wirft er alles in den Topf, um daraus stampfende, mittige Britpop-Hymnen allererster Güte zu zaubern. Dabei hält er sich allerdings nicht lang damit auf, wohlgefällig Pop aufzukochen, sondern errichtet schon mal sperrige, scheinbar verfahrene Avantgarde-Pop-Sperrfeuer – und beweist abermals wahre Größe. Denn der 52-Jährige ist von Altersmilde weit entfernt. Die Behäbigkeit seiner Landsleute, sagt er, geht ihm nach wie vor gewaltig auf die Nerven und nach wie vor nimmt er kein Blatt vor dem Mund. Er nennt Missstände beim Namen und brüllt seine Wut ungeschönt in die Plattenrillen. Ein bisschen 60er-Soul hier, ein bisschen Indien-Chic da untergehoben, und schon ist eins der besten Alben zu Ende, das in den letzten Jahren aus England in die Welt geschickt wurde. Dafür holte er sich für zwei Songs übrigens erstmals seit der Auflösung von “The Jam” im Jahr 1982 die Hilfe seines damaligen Bassisten Bruce Foxton. Produziert wurde “Wake Up The Nation” von Simon Dine, als Gastmusiker fungieren Kevin Shields (My Bloody Valentine) und Bev Bevan (ELO).

Denn großartig ist das Album auf vielerlei Weise: Es will nicht gefällig sein. Es hat einen Musikhorizont von den Small Faces über die Velvelettes  bis hin zu Motörhead. Es folgt der Punkrock-Maxime, nach der ein Song über zwei Minuten unnötige Längen hat. Und es beherbergt so großartige Pop-Nummern wie “Find The Torch, Burn The Plans”, die man sich von ganzen Stadien gesungen vorstellen kann. Kurzum: Weller hat viel gewagt, er nimmt billigend in Kauf, für die Verwirklichung seiner Vision nicht bei allen zu landen – und gewinnt deswegen die volle Punktzahl.

Universal / www.paulweller.com

Fools Garden? Klarer Fall: Die Best Of dürfte kurz werden: Lemon Tree, Lemon Tree, Lemon Tree… was soll da sonst schon groß drauf sein? Ha! Weit gefehlt. Der Autor dieser Zeilen gibt zu, selbst derartige Gedanken angesichts des vorliegenden Doppelalbums gehabt zu haben, dem die Sonnenpop-Band aus dem Schwarzwald (ahja, die nächste Überraschung) erfreulicherweise ein Live-Unplugged-Album beigelegt hat.

Und solche Eingebungen sind in mehrfacher Hinsicht Käse, das wird schnell klar. Denn erstens war da noch “Wild Days” aus dem C&A-Werbespot und mindestens fünf weitere potentielle Lemon-Trees. Hitpotential haben Peter Freudenthaler und Volker Hinkel, die Fools-Gärtner höchstselbst, ihren Songs massenhaft mitgegeben. Blödsinn auch, die Band auf ihren längst totgedudelten Hit festzunageln. Das würde ihr nicht gerecht werden.

Denn die Fools-Garden-Nummer mögen zwar durchaus nicht arg in die Tiefe gehen. Auch sind sie bisweilen ein wenig “cheesy” und arg auf Hitparade gebürstet. Aber sie sind handwerklich gut gemacht und tun das, was Pop bitteschön machen sollte: sie gefallen, sind simpel, haben klassischen Sixties-Appeal, sind erstaunlich zeitlos – noch eine Überraschung, die allein dieses Album wert war – und erinnern an eine Zeit, in der im Radio bisweilen wenigstens noch handgemachte, ehrliche Pop-Musik gespielt wurde.

Eine Platte voll mit gut gemachtem Ohrwurm-Pop mit Sixties-Appeal, der beachtenswerterweise aus Bad Liebenzell und nicht aus London, Manchester oder Liverpool kommt.

BMG/Laybird / www.foolsgarden.de

Wenn es um Pop in Reinform geht, haben meistens die Briten die Finger im Spiel. In diesem Fall schickt sich ein in Wembley geborender junger Sänger an, mit seinem ersten Album die Charts zu entern. Und schon nach ein paar Takten wird klar, dass es schon mit dem Leibhaftigen höchstselbst zugehen müsste, dass da nix draus wird.

Klangkosmisch irgendwo zwischen Chris Martins “Coldplay” und den späten “Embrace” driftet Gary Baker scheinbar schwerelos zwischen radiotauglich und indie hin und her. Wobei “radiotauglich” in diesem Zusammenhang nicht beleidigend zu verstehen ist; einzig drängt sich der Gedanke auf, dass Mr. Go ab und an zu arg in Richtung Charts schielt. Am stärksten ist das Debütalbum, wenn es auf Konformismus pfeift und herrlich größenwahnsinnig mit Orchester, Backgroundchor und sperrigem Chorus hantiert (vgl. “Refuse To Lose”) hantiert und beinahe Guy-Chambers-Format erreicht. Die Single “Wonderful”, Titelmelodie von Simon Verhoevens Kinokomödie “Männerherzen”, ist übrigens einer der unspektakuläreren Songs.

Ansonsten setzt der junge Songwriter auf Vielfalt und erdige Produktion, was diese freilich sehr poppige, aber nicht anspruchslose Angelegenheit zu einer sehr angenehmen werden lässt.

The Canvas Room / www.garygo.tv

“Groovy shit from Great Bavaria” schreibt sich der Herrenclub aus dem Chiemgau auf die Fahnen. Und angesichts des Bandnamens glaubt man zu wissen, wie der Hase läuft: Atomic-Café-ischer Merseybeat auf neu und so. Weit gefehlt. Zwar verleugnen Felix Kunz, Michi Rieder, Christian Schuhbeck und Daniel Schlick ihre Vorbilder keineswegs, jedoch dürften diese eher in Person von Jim Morrison und seine Doors, Nick Cave und seine Bad Seeds beziehungsweise Lee Hazlewood zu finden sein.

Außerdem sind die Burschen vom bloßen Rezitieren weit entfernt. Im Gegenteil: Ihr Brit-US-Seventies-Glam-Beat neigt seinen Kopf zwar in Richtung Legenden, erfüllt aber höchste Indie-Ansprüche, ist eigenständig, zeitgemäß und wird vor allem hoffentlich bald ein ganzes Album nach sich ziehen. Für den Moment bedanken wir uns für sechs großartige Songs in schöner Verpackung, schalten auf “Repeat” und drehen lauter.

www.leedsclub.de
Erschienen auf “die jugendseite.” in Weilheimer Tagblatt, Schongauer Nachrichten & Penzberger Merkur (Münchner Merkur) sowie im Husk Magazin

Seattle, Washington, im September 2008: Chris Walla, seines Zeichens Gitarrist bei Death Cab For Cutie, hilft dem Songwriter und Indie-Rocker Michael Benjamin Lerner, ein paar Songs auf Analog-Tape aufzunehmen. Das Ergebnis, das Lerner ohne viel Aufhebens unter dem Pseudonym “Telekinesis” veröffentlicht, ist derartig gut, dass ein paar Wochen nach dessen Veröffentlichung “Merge Records” an die Tür klopft und Lerner unter Vertrag nimmt. Nach der internationalen Veröffentlichung (in Deutschland übernimmt “Morr Music” den Vertrieb) dürften noch einige andere Überraschungen an die Tür des Seattlers klopfen. Denn die Songs zwischen England und Amerika, Britpop und Garage-Rock, Pop und Indie, Klavier und Rockgitarre treffen den Nerv aller, die auf guten Rock abseits vom Mainstream stehen.

Morr Music / www.morrmusic.com

Im Bezug auf Britpop von Retro zu sprechen, ist ja eigentlich absurd. Jene Musikströmung Anfang der Neuziger zitierte ja ihrerseits die Vorbilder aus (Mersey-) Beat und dem Rock der Sechziger – und wenn nun eine britpoppende Band Retro-Britpop machen soll,…

Aber von Anfang an. Lily Electric sind vier junge Dänen, die seit Anfang 2005 mit kleineren Veröffentlichungen für Aufsehen sorgten und mittlerweile geschlossen in Berlin leben. Mit diesem zweiten Album und der Erfahrung von zwei Jahren auf Tour – unter anderem als Support von Slut, The Kooks, Maximo Park oder Cold War Kids – wollen sie ihren Ruf als Indie-Hausnummer untermauern. Und das gelingt ihnen gleich in mehrfacher Hinsicht.

Zum einen widersetzt sich die Band in erfrischender Weise dem mittlerweile totgedudelten Brachialglasklarsound der aktuellen Zeitgeistbands und lässt erfrischend synthesizerlos den Gitarren ein bisschen Zerrung angedeihen. Dicht gemischt und warm produziert, setzt sich diese Platte allein schon durch den Grundsound vom Indie-Mainstream ab.

Zum anderen orientiert sich die Berliner Dänenbrigade an den richtigen Klassikern (Blur aus “Leisure”-Tagen, den zu Unrecht unbekannt gebliebenen James, den fabulösen Electric Club oder Hurricane #1) sowie an den guten Inselexporten dieser Tage (Charlotte Hatherley, Arctic Monkeys und Last Shadow Puppets) und bringt so den Britpop dieser Tage mit dem Retro-Britpop der Neunziger zusammen.

Womit wir wieder bei eingangs genannter Absurdität wären… Was bleibt, ist ein ohne Abstriche gelungenes Britpop-Album im eigentlichen Sinne.

PonyRec/Indigo / www.lilyelectric.com

Wer zum Donnerknispel ist wohl dieser J. Smith? Und dass auch niemand draufkommt zu fragen bei Fran Healy und Mannen – schließlich widmen sie dem Herrn ihr sechstes Album.

Es muss, so viel ist sicher, ein feiner Kerl sein, der Herr Smith, wenn ihm eine solche Ehre zuteil wird, Pate zu stehen für ein Album, das eine Art Wiedergeburt für Travis markiert: die Schotten erfinden sich auf elf Songs neu – auf ungewohnt rockig-dichte Weise.

Die Acoustic-Gitarre hat Healy die meiste Zeit am Nagel hängen lassen und sich lieber eine knackig angezerrte Elektrische geschnappt. Gepaart mit dem Travis’schen Händchen für Melodien ergibt das eine Britpop-Platte im ursprünglichen Sinne. Dick produziert wie sie ist, hätte sie auch Mitte der Neunziger erscheinen können; sie kann gern zwischen den alten Oasis, den neueren Hurricane #1, dem neuen Richard Ashcroft und den frühen Coldplay ins Regal einsortiert werden.

Eine astreine Britpop-Platte fernab von Indie-Disco und Synthie-Pop. Wer hätte das gedacht? Eine sehr willkommene Überraschung in diesem Musikjahr.

Universal Music / www.travisonline.com